Ciências Humanas e Sociais
- Vicente Do Rego Monteiro, Artista E Poeta, 1899-1970
Um brasileiro na Escola de Paris Carlos E. Uchôa Fagundes Jr. A arte moderna no Brasil sofreu das mesmas mazelas que outras manifestações culturais e foi gestada pela iniciativa corajosa e solitária de uns poucos, que depois tiveram de pagar sua...
- Uma SeleÇÃo: De Picasso A Soulages
A lição do MAM de Paris 08/Ago/98 Aracy Amaral A exposição de uma seleção do acervo do Museu de Arte Moderna da Cidade de Paris no Museu de Arte Moderna de São Paulo provoca algumas considerações. Em primeiro lugar, por ser divulgada como mais...
- Espectáculo Futurista Zang Tumb Tumb (no Dia 9/11, No Instituto Italiano De Lisboa)
ZANG TUMB TUMB è um espectáculo poético e musical sobre a força impetuosa e inovadora do Futurismo, em constante equilíbrio entre tensão dramática e humorismo. Com Claudio Pozzani: voz; Fabio Vernizzi: piano; Riccardo Barbera: contrabaixo e “intonarumori”...
- A Abertura Do Cabaret Voltaire Foi Há 93 Anos ( A 5 De Fevereiro De 1916) Em Zurique
Em 5 de Fevereiro de 1916, foi inaugurado em Zurique o ponto de encontro para artistas contestatários da ordem estabelecida, "Cabaret Voltaire". Era o início do dadaísmo, uma tendência artística antiburguesa e anti-convencional O Cabaret Voltaire...
- Brevíssimo Panorama Das Artes Plásticas Pós-1945
Expressionismo Abstracto Uma das consequências da II Grande Guerra foi a transferência do centro artístico de Paris para Nova Iorque que assistiu ao rápido florescimento da arte norte-americana por efeito de diversos factores entre os quais a emigração...
Ciências Humanas e Sociais
As Artes Plásticas de 1900 até 1945
A transição do século XIX para o seguinte foi marcada logicamente pelas tendências ideológicas e estéticas que se vinham desenhando nas últimas décadas oitocentistas. Inclusivamente a I Grande Guerra foi o resultados dos nacionalismos exasperados que se desenvolveram no século anterior. A europeização do mundo estava na em crescendo. Em termos artísticos, Paris era a capital do mundo da arte. Não admira que emergisse todo uma atitude de crítica às tradições até aí então em voga, e se sentisse um forte vento de mudança, ajudado pelas inovações tecnológicas e económicas que se registava.
Aparecem as vanguardas artísticas e literárias que pretendiam romper com o estabelecido e introduzir inovações através da originalidade, do experimentalismo e da pesquisa permanente, o que teve como efeito o divórcio do elitismo para com o público geral. Os artistas reúnem-se em movimentos , publicam livros, revistas e manifestos.
A arte vanguardista convergiu fundamentalmente para a dissolução da imagem figurativa, libertando a pintura da representação de objectos e do espaço.
O Fauvismo foi o primeiro movimento vanguardista que pretendia libertar justamente a cor da realidade natural. A designação deriva do termo francês «fauve» ( fera) e foi atribuída ao grupo de artistas que se reuniam à volta de Henri Matisse (1869-1958), e que expuseram no Salão de Outono de 1905 em Paris ( André Derain, Maurice de Vlaminck, Georges Rouault, Kees van Dongen), todos eles que enalteciam o valor da cor como elementos privilegiado da composição pictórica, com tons fortes, quentes e vibrantes. Cerca de 1908 o fauvismo extingue-se, e os seus arautos seguem caminhos próprios.
O Expressionismo nasce, mais ao menos ao mesmo tempo, na Alemanha e estende-se aos vários domínios artísticos e exerce uma influência muito mais duradoura. Tal como acontecera com os simbolistas, o expressionismo surge como reacção ao objectivismo do impressionismo e às limitações de uma pintura inspirada na percepção visual, pretendendo explorar o mundo das emoções e das sensações interiores. Caracteriza-se por uma pintura cheia de energia e vitalidade. A obra passa a ser um veículo do universo subjectivo do homem. A tudo isto não é estranho as ideias de um Nietzsche, da fenomenologia de Husserl e de um Bergson. E as influências vão desde a arte negra até Van Gogh, James Ensor e Edward Munch.
A primeira vanguarda expressionista é representada pelo grupo Die Brucke ( 1905-1913), fundado em Dresden, e que reúne nomes como Ernst Kirchner (1886-1938), Erich Heckel (1883-1970), Karl Schmidt-Rottuff ( 1884-1976), Fritz Bleyl e Emil Nolde. As suas pinturas compunham-se de cores violentas e figuras deformadas, com pinceladas vigorosas, representando temáticas de crítica social, num sentido irónico, grotesco ou dramático. Em 1913, Kirchner redige o manifesto do grupo, A Crónica do Die Brucke, enunciando uma pintura que estabeleceria a ponte entre o visível e o invisível, e uma arte que pretendia exprimir o impulso criador.
Com a I Grande Guerra o grupo dissolve-se vindo a influenciar a criação do movimento «Nova Objectividade» fundado em 1925 por Max Beckmann (1884-1950), Otto Dix (1891-1969) e George Groz (1893-1959). Denunciando a perversidade, a decadência, a injustiça e a desordem da sociedade, o Expressionismo subsiste até os nazis o acusarem de «arte degenerada».
Em 1910 é fundada em Munique a segunda vanguarda do Expressionismo por via do grupo Der Blaue Reiter ( «O Cavaleiro Azul»), por Wassily Kandinsky (1866-1944) e Franz Marc, Auguste Macke, A. Jawlensky, Paul Klee (1879-1940), que se reuniram à volta do primeiro e das suas teorias expressas na obra «Do Espiritual na Arte» de 1912. Aí comparou a linguagem plástica com a musical, definindo a obra como uma necessidade interior, a qual se acede através da «intuição» ou «empatia». As suas teses sobre uma pintura sem objecto, assente em composições abstractas com uma dimensão lírica e poética, foram a génese da arte abstracta. Nesse mesmo ano, Kandinsky e Marc publicaram o Almanaque do Cavaleiro Azul, uma compilação de ideias e ilustrações ( desenhos infantis, gravuras medievais, arte primitiva, e alguma arte moderna) a que associaram canções de Schonberg, Berg e Webern.
Entre 1905 e 1913 aparece a chamada Escola de Paris que abrange um número considerável de artistas de várias proveniências e nacionalidades e atraídos pela capital das artes. Esta geração de pintores malditos partilhava o gosto pela vida boémia, o espírito excêntrico e transgressor, a busca incessante da originalidade e o empenho absoluto na arte como forma de vida. Quanto à opções artísticas privilegiavam um estilo figurativo e à margem das vanguardas. De entre outros destacam-se nomes como o italiano Amadeo Modigliani (1884-1920), o russo Marc Chagall (1887-1985), o lituano Chaim Soutine (1894-1943), o polaco Moise Kisling, o búlgaro Jules Pascin, e o japonês Tsuguharu Foujita.
O Cubismo foi a vanguarda que dominou a cena artística parisiense entre 1907 e 1914, apesar dos seus fundadores – Pablo Picasso (1881-1973) e Georges Braque ( 1882-1963) – nunca terem utilizado o termo.
Enquanto as anteriores vanguardas abordavam os problemas da expressão e da cor, Picasso e Braque abordaram os problemas da forma e do espaço. Os cubistas contrapunham um outro olhar - inspirados sem dúvida no primitivismo das máscaras africanas, e ainda na Teoria da Relatividade, que estabelecia a equivalência entre matéria e energia e a relatividade do espaço e do tempo – um olhar em movimento, que podia ver o objecto a partir de diferentes pontos de vista, substituindo a imagem visual por uma imagem mental.
Neste sentido, a obra «As Meninas de Avignon» de Picasso, considerada a primeira criação cubista, deu sequência ao problema formal colocado por Cézanne: reduzir toda a realidade a estruturas simples e elementares, e procurar uma nova maneira de a representar. E é sob a influência deste último que se desenrolará a fase cézanniana (1907-1909) dominada pela geometrização das formas, e a eliminação da profundidade e do claro-escuro e sobreposição de planos. Seguiu-se a fase analítica (1910-1912) caracterizada pela análise exaustiva dos objectos, decompondo-os e reduzindo-os à bidimensionalidade. Finalmente temos a fase sintética (1913-1914) caracterizada pela redução do espaço e das formas uma síntese e acumulação de planos, cada vez mais esquematizados, e pela introdução de collages. O quadro torna-se assim um objecto em si mesmo.
O Cubismo gerou 3 movimentos de curta duração: a Section d’or, o orfismo e o purismo. O primeiro foi criado em 1912 pelos irmãos Duchamp ( Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon, e Marcel Duchamo), juntamente com Frank Kupka, Francis Picabia e Archipenko. Inspirando-se nos fundamentos da Secção de Ouro – um sistema de proporções geométricas – estes artistas pretenderam resolver problemas de harmonia e proporção da composição, motivados pelas relações matemáticas e geométricas.
Ao assistir a uma das suas exposições, Apollinaire, escritor e crítico, designou de Orfismo as obras expostas de Obert Delaunay. Recuperando o mito de Orfeu, Apollinaire referia-se aos ritmos e aos efeitos cromáticos puramente abstractos, criados pelas formas circulares com referências líricas e musicais. O orfismo é representado por Delaunay, a sua mulher Sónia Terk Delaunay, Fernand Léger, e outros artista da Section d’or que evoluíram para a abstracção geométrica.
Apesar de ligado ao cubismo, o Purismo rejeita a destruição das formas e defendem a estrutura rigorosa dos objectos e a clareza das composições. As suas figuras são Amédée Ozenfant e Le Corbusier ( 1887-1966).
O Futurismo nasce em Paris a 20 de Fevereiro de 1909 quando o jornal Le Fígaro publica o Manifesto do Futurismo pelo poeta italiano Filippo Marinetti (1876-1944). A ele aderiram. De imediato vários pintores italianos ( Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Carlo Carrà, Gino Severini, Luigi Russolo). O manifesto e o café-teatro são os meios utilizados por este movimento para se dar a conhecer. De forma violenta, subversiva e incendiária, Marinetti propunha a renovação radical e regeneradora dos temas, das formas e das linguagens artísticas. Marinetto exalta a tumultuosa vida moderna, louva a agitação frenética das metrópoles industriais , elogia a máquina e a beleza da velocidade. O seu nacionalismo extremo e adesão de Marinetti ao Fascismo marcam o declínio do movimento.
O Vorticismo ( do latim, vortex: turbilhão) partilha com o cubismo a tendência para a geometrização das formas, herdando do futurismo o fascínio pelas máquinas e pelo movimento.
A Revolução Russa de 1917 protagonizada pelos bolchevistas trouxe todo um novo ambiente cultural à nova Rússia que explica a emergência de uma nova geração russa, a vanguarda russa. Natália Gontcharova e Mijail Lariónov foram influenciados pelo cubismo.Mas o movimento que mais se impôs foi o futurismo através do chamado cubo-futurismo ( com nome como Maiakovski, Vladimir Tatlin, Casimir Malevitch, Liubov Popova)
Das mesmas influências emergiu o Raionismo,uma doutrina divergente da anterior, concebida por Gontcharona e Lariónov em 1913, uma espécie de síntese do Cubismo, Futurismo e Orfismo, mas com uma maior aproximação á abstracção, e que se fundamentava nas leis da física da cor e da luz.
As ideias deste último irão pesar no Suprematismo ( de Malevitch) e no Construtivismo ( de Tatlin)
Embora de forma nem sempre consciente, as principais vanguardas do início do século XX convergiam no sentido de dar maior autonomia à pintura relativamente à experiência visual da realidade exterior dos objectos e para entenderem quadro como um objecto estético independente de quaisquer referências exteriores a si próprio.
O primeiro passo para a concepção de uma expressão plástica não figurativa foi dado por Konrad Fiedler (1841-1895) que lançou as bases da corrente «formalista» e da «teoria da visibilidade pura», entendendo a natureza da arte como a manifestação de formas representadas, com «intenções visuais puras» por parte do artista. Mas foi Worringer quem, decisivamente, abriu as portas para a «forma abstracta». Apoiando-se na ideia de Einfuhlung, este filósofo alemão propunha a explicação da obra de arte através de sentimentos que as formas despertam em nós, por intuição e empatia, acentuando o significado interior da forma e remetendo para segundo plano aquilo que ela representava. Nascia, assim, o primeiro fundamento da arte abstracta. É abstracta toda a arte sem qualquer referência à realidade observada; uma arte que devemos julgar apenas do ponto de vista da harmonia, da composição, da ordem e de um espaço animado por linhas, formas, cores, luz, materiais e técnicas.
Kandinsky foi o pioneiro da arte abstracta. A partir das experiências realizadas no seio do grupo Der Blauer Reiter, o pintor russo formulou a ideia de que um quadro pode prescindir totalmente da representação. A primeira pintura abstracta é « Primeira Aguarela Abstracta».
O Abstracionismo é seguido ainda por Paul Klee e pela Bauhaus. Klee recorre ao inconsciente para fazr emergir ummundo de fantasia, magia e sonho.
O Suprematismo aparece em 1913 quando Malevitch, o escritor Kruchenik e o compositor Matishin fundam o «Primeiro Congresso de Futuristas de todas as Rússias» e anunciam num manifesto a realização da ópera futurista «Vitória sobre o Sol». Numa linguagem desprovida de qualquer sentido ou lógica – a música é composta por gritos e ruídos – a obra celebra o domínio da técnica sobre a natureza, segundo o ideário futurista.Malevitch desenha o guarda-roupa e os cenários numa linguagem geométrica e abstracta que o levam ao Suprematismo.
Na «Exposição 0,10»em 1915, Malevitch apresenta 39 obras não-objectivas, isto é, totalmente abstractas, constituídas por figuras geométricas monocromáticas dispostas livremente sobre fundos brancos, renunciando a tudo o que pudesse produzir qualquer tipo de sugestão, ideia ou emoção. Entre elas figurava o «Quadrado Negro», um simples quadrado negro sobre uma superfície branca, e que constituía uma reacção iconoclasta contra a maneira tradicional da pintura. Malevitch chega às formas básicas não-objectivas ( o quadrado, o círculo, a cruz) e a redução cromática ( cores primárias, o branco e o preto). O expoente máximo do suprematismo é a obra « Quadrado branco sobre branco».
Por sua vez, Tatlin apresenta em 1913 os seus «Contra-Relevos», objectos em metal e madeira, libertos de qualquer objectividade ou figuração que o levará ao Construtivismo em 1915, onde se defende uma arte de sentido útil e funcional, empenhada no progresso permitido pelas novas tecnologias. Outros nomes do construtivismo são Rodchenko, El Lissitzky.
O neoplastcismo aparece-nos pela mão do holandês Piet Mondrian (1872-1944). Este, depois de se ter aproximado dos fauves e do cubismo, chega à abstracção através de um processo conciso de depuração da forma, decompondo imagens em planos e fragmentos lineares até atingir uma síntese de formas puras e cores primárias. O seu carácter místico e religioso e a sua busca por uma explicação ontológica é traduzido pela adesão à Sociedade teosófica (universalista, esotérica e filosófica). Em 1917 funda com Théo Van Doesburg a revista De Stijl (O Estilo), cujo primeiro manifesto é proclamada a necessidade de uma «nova plástica» que elimine qualquer cópia da natureza, combata o individualismo e anuncie uma harmonia universal, «uma unidade internacional na Vida, na Arte e na Cultura». A partir daqui Mondrian cria o Neoplasticismo, uma linguagem puramente abstracta e racional, regida pela geometria, sem subjectividade nem emotividade preconizando uma sociedade equilibrada e universalista. Poucos anos depois o movimento chaga ao fim, não sem antes ter influenciado a arquitectura e arte por via de nomes como Gerrit Rietveld, Jacobus Oud, e a Bauhaus.
Durante a i Grande Guerra, a Suiça manteve-se neutral, constituindo um refúgio para muita gente. Daí não ser estranhar que para lá confluíssem artistas e escritores. O Cabaret Voltaire, aberto em 1915 pelo poeta alemão Hugo Ball, em Zurique, tornou-se ponto de encontro de emigrados e refugiados e as suas sessões começam a ser muito concorridas. As perfomances de música, declamação, dança, exposições misturam música de Satie, Schonberg, bruitisme ( música de ruídos), poemas tribais, poemas com sílabas sem nexo, interjeições, tudo feito com mais ou menos improvisações, e protagonizados por poetas espontâneos, que criam manifestos contra tudo e todos. Tratava-se no fundo de uma confluência de vanguardas, aquilo que aconteceu em Zurique.
De lá surgiu o dadaísmo em 1916 protagonizado pelo poeta romeno Tristan Tzara (1896-1963), o casal Jean Arp, e Sphie Taeuber. No ano seguinte, o Dada já era internacionalmente conhecido, aceitando todas as experiências que destruíssem os valores e as normas estéticas estabelecidas, questionando até os próprios conceitos de arte, obra e artista. O espírito nihilista exaltava a espontaneidade, a anarquia e o individualismo da criação. Em 1918 Tzara apresenta o Manifesto Dada, quando o movimento já se expande em vários núcleos: Raoul Haussmann, John Heartfield, Geroge Groz em Berlim; Kurt Schwitters e os seus Merzbilders em Hannover; Max Ernst em Colónia; Jean Arp e Man Ray (1887-1968) em Paris; Francis Picabia e Marcel Duchamp em Nova Iorque. São adoptadas técnicas combinatórias ( a colagem, a assemblage, a foto-montagem), reinventadas as relações entre objectos ( o ready-made, objectos retirados do seu contexto e convertidos em obras de arte) e legitimados novos conceitos. O Dadaísmo influenciou posteriormente o Surrealismo, o Informalismo e constitui um antecedente da Arte conceptual.
O fim da I Grande Guerra trouxe não poucas consequências quer a nível político ( ascensão de movimentos políticos, revoluções), económico ( Europa arruinada, ambiente eufórico nos Estados Unidos até aos crasch de 1929), e artístico-cultural ( revitalização de linguagens pictóricas, uma espécie de «regresso à ordem» depois dos excessos do experimentalismo vanguardista).
É neste contexto que surge o Surrealismo fundado por André Breton (1896-1966) que publica o Manifesto do Surrealismo em 1924. Influenciado por Freud, pela poesia de Rimbaud e Baudelaire, a pintura de Chirico e a poética dadaísta, Breton defendia que a criação artística devia resultar da experiência psíquica do inconsciente, emancipando a imaginação dos entraves da razão e de factores de ordem social e cultural: «Surrealismo –puro automatismo psíquico, através do qual podemos expressar verbalmente, por escrito ou qualquer outro meio o processo real do pensamento». Diferenciam-se então duas tendências: a do automatismo psíquico ou livre associação com Joan Miró (1893-1983, Max Ernst (1891-1976), André Masson; e a da via onírica com Salvdor Dali (1904- 1989), René Magritte (1898-1967), Yves Tanguy.
Outra corrente que recuperou a representação figurativa foi o Neo-Realismo que teve na América latina, por influência da revolução mexicana de 1910, o seu momento alto durante os anos 20 e 30 por intermédio de Diego Rivera (1886-1957), José Clemente Orozco e David Siqueiros, os quais assumiram um forte empenhamento político e social. Estes autores recuperaram ainda a tradição dos frescos murais monumentais, marcados pelas tradições aztecas e maias.
Aparecem as vanguardas artísticas e literárias que pretendiam romper com o estabelecido e introduzir inovações através da originalidade, do experimentalismo e da pesquisa permanente, o que teve como efeito o divórcio do elitismo para com o público geral. Os artistas reúnem-se em movimentos , publicam livros, revistas e manifestos.
A arte vanguardista convergiu fundamentalmente para a dissolução da imagem figurativa, libertando a pintura da representação de objectos e do espaço.
O Fauvismo foi o primeiro movimento vanguardista que pretendia libertar justamente a cor da realidade natural. A designação deriva do termo francês «fauve» ( fera) e foi atribuída ao grupo de artistas que se reuniam à volta de Henri Matisse (1869-1958), e que expuseram no Salão de Outono de 1905 em Paris ( André Derain, Maurice de Vlaminck, Georges Rouault, Kees van Dongen), todos eles que enalteciam o valor da cor como elementos privilegiado da composição pictórica, com tons fortes, quentes e vibrantes. Cerca de 1908 o fauvismo extingue-se, e os seus arautos seguem caminhos próprios.
O Expressionismo nasce, mais ao menos ao mesmo tempo, na Alemanha e estende-se aos vários domínios artísticos e exerce uma influência muito mais duradoura. Tal como acontecera com os simbolistas, o expressionismo surge como reacção ao objectivismo do impressionismo e às limitações de uma pintura inspirada na percepção visual, pretendendo explorar o mundo das emoções e das sensações interiores. Caracteriza-se por uma pintura cheia de energia e vitalidade. A obra passa a ser um veículo do universo subjectivo do homem. A tudo isto não é estranho as ideias de um Nietzsche, da fenomenologia de Husserl e de um Bergson. E as influências vão desde a arte negra até Van Gogh, James Ensor e Edward Munch.
A primeira vanguarda expressionista é representada pelo grupo Die Brucke ( 1905-1913), fundado em Dresden, e que reúne nomes como Ernst Kirchner (1886-1938), Erich Heckel (1883-1970), Karl Schmidt-Rottuff ( 1884-1976), Fritz Bleyl e Emil Nolde. As suas pinturas compunham-se de cores violentas e figuras deformadas, com pinceladas vigorosas, representando temáticas de crítica social, num sentido irónico, grotesco ou dramático. Em 1913, Kirchner redige o manifesto do grupo, A Crónica do Die Brucke, enunciando uma pintura que estabeleceria a ponte entre o visível e o invisível, e uma arte que pretendia exprimir o impulso criador.
Com a I Grande Guerra o grupo dissolve-se vindo a influenciar a criação do movimento «Nova Objectividade» fundado em 1925 por Max Beckmann (1884-1950), Otto Dix (1891-1969) e George Groz (1893-1959). Denunciando a perversidade, a decadência, a injustiça e a desordem da sociedade, o Expressionismo subsiste até os nazis o acusarem de «arte degenerada».
Em 1910 é fundada em Munique a segunda vanguarda do Expressionismo por via do grupo Der Blaue Reiter ( «O Cavaleiro Azul»), por Wassily Kandinsky (1866-1944) e Franz Marc, Auguste Macke, A. Jawlensky, Paul Klee (1879-1940), que se reuniram à volta do primeiro e das suas teorias expressas na obra «Do Espiritual na Arte» de 1912. Aí comparou a linguagem plástica com a musical, definindo a obra como uma necessidade interior, a qual se acede através da «intuição» ou «empatia». As suas teses sobre uma pintura sem objecto, assente em composições abstractas com uma dimensão lírica e poética, foram a génese da arte abstracta. Nesse mesmo ano, Kandinsky e Marc publicaram o Almanaque do Cavaleiro Azul, uma compilação de ideias e ilustrações ( desenhos infantis, gravuras medievais, arte primitiva, e alguma arte moderna) a que associaram canções de Schonberg, Berg e Webern.
Entre 1905 e 1913 aparece a chamada Escola de Paris que abrange um número considerável de artistas de várias proveniências e nacionalidades e atraídos pela capital das artes. Esta geração de pintores malditos partilhava o gosto pela vida boémia, o espírito excêntrico e transgressor, a busca incessante da originalidade e o empenho absoluto na arte como forma de vida. Quanto à opções artísticas privilegiavam um estilo figurativo e à margem das vanguardas. De entre outros destacam-se nomes como o italiano Amadeo Modigliani (1884-1920), o russo Marc Chagall (1887-1985), o lituano Chaim Soutine (1894-1943), o polaco Moise Kisling, o búlgaro Jules Pascin, e o japonês Tsuguharu Foujita.
O Cubismo foi a vanguarda que dominou a cena artística parisiense entre 1907 e 1914, apesar dos seus fundadores – Pablo Picasso (1881-1973) e Georges Braque ( 1882-1963) – nunca terem utilizado o termo.
Enquanto as anteriores vanguardas abordavam os problemas da expressão e da cor, Picasso e Braque abordaram os problemas da forma e do espaço. Os cubistas contrapunham um outro olhar - inspirados sem dúvida no primitivismo das máscaras africanas, e ainda na Teoria da Relatividade, que estabelecia a equivalência entre matéria e energia e a relatividade do espaço e do tempo – um olhar em movimento, que podia ver o objecto a partir de diferentes pontos de vista, substituindo a imagem visual por uma imagem mental.
Neste sentido, a obra «As Meninas de Avignon» de Picasso, considerada a primeira criação cubista, deu sequência ao problema formal colocado por Cézanne: reduzir toda a realidade a estruturas simples e elementares, e procurar uma nova maneira de a representar. E é sob a influência deste último que se desenrolará a fase cézanniana (1907-1909) dominada pela geometrização das formas, e a eliminação da profundidade e do claro-escuro e sobreposição de planos. Seguiu-se a fase analítica (1910-1912) caracterizada pela análise exaustiva dos objectos, decompondo-os e reduzindo-os à bidimensionalidade. Finalmente temos a fase sintética (1913-1914) caracterizada pela redução do espaço e das formas uma síntese e acumulação de planos, cada vez mais esquematizados, e pela introdução de collages. O quadro torna-se assim um objecto em si mesmo.
O Cubismo gerou 3 movimentos de curta duração: a Section d’or, o orfismo e o purismo. O primeiro foi criado em 1912 pelos irmãos Duchamp ( Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon, e Marcel Duchamo), juntamente com Frank Kupka, Francis Picabia e Archipenko. Inspirando-se nos fundamentos da Secção de Ouro – um sistema de proporções geométricas – estes artistas pretenderam resolver problemas de harmonia e proporção da composição, motivados pelas relações matemáticas e geométricas.
Ao assistir a uma das suas exposições, Apollinaire, escritor e crítico, designou de Orfismo as obras expostas de Obert Delaunay. Recuperando o mito de Orfeu, Apollinaire referia-se aos ritmos e aos efeitos cromáticos puramente abstractos, criados pelas formas circulares com referências líricas e musicais. O orfismo é representado por Delaunay, a sua mulher Sónia Terk Delaunay, Fernand Léger, e outros artista da Section d’or que evoluíram para a abstracção geométrica.
Apesar de ligado ao cubismo, o Purismo rejeita a destruição das formas e defendem a estrutura rigorosa dos objectos e a clareza das composições. As suas figuras são Amédée Ozenfant e Le Corbusier ( 1887-1966).
O Futurismo nasce em Paris a 20 de Fevereiro de 1909 quando o jornal Le Fígaro publica o Manifesto do Futurismo pelo poeta italiano Filippo Marinetti (1876-1944). A ele aderiram. De imediato vários pintores italianos ( Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Carlo Carrà, Gino Severini, Luigi Russolo). O manifesto e o café-teatro são os meios utilizados por este movimento para se dar a conhecer. De forma violenta, subversiva e incendiária, Marinetti propunha a renovação radical e regeneradora dos temas, das formas e das linguagens artísticas. Marinetto exalta a tumultuosa vida moderna, louva a agitação frenética das metrópoles industriais , elogia a máquina e a beleza da velocidade. O seu nacionalismo extremo e adesão de Marinetti ao Fascismo marcam o declínio do movimento.
O Vorticismo ( do latim, vortex: turbilhão) partilha com o cubismo a tendência para a geometrização das formas, herdando do futurismo o fascínio pelas máquinas e pelo movimento.
A Revolução Russa de 1917 protagonizada pelos bolchevistas trouxe todo um novo ambiente cultural à nova Rússia que explica a emergência de uma nova geração russa, a vanguarda russa. Natália Gontcharova e Mijail Lariónov foram influenciados pelo cubismo.Mas o movimento que mais se impôs foi o futurismo através do chamado cubo-futurismo ( com nome como Maiakovski, Vladimir Tatlin, Casimir Malevitch, Liubov Popova)
Das mesmas influências emergiu o Raionismo,uma doutrina divergente da anterior, concebida por Gontcharona e Lariónov em 1913, uma espécie de síntese do Cubismo, Futurismo e Orfismo, mas com uma maior aproximação á abstracção, e que se fundamentava nas leis da física da cor e da luz.
As ideias deste último irão pesar no Suprematismo ( de Malevitch) e no Construtivismo ( de Tatlin)
Embora de forma nem sempre consciente, as principais vanguardas do início do século XX convergiam no sentido de dar maior autonomia à pintura relativamente à experiência visual da realidade exterior dos objectos e para entenderem quadro como um objecto estético independente de quaisquer referências exteriores a si próprio.
O primeiro passo para a concepção de uma expressão plástica não figurativa foi dado por Konrad Fiedler (1841-1895) que lançou as bases da corrente «formalista» e da «teoria da visibilidade pura», entendendo a natureza da arte como a manifestação de formas representadas, com «intenções visuais puras» por parte do artista. Mas foi Worringer quem, decisivamente, abriu as portas para a «forma abstracta». Apoiando-se na ideia de Einfuhlung, este filósofo alemão propunha a explicação da obra de arte através de sentimentos que as formas despertam em nós, por intuição e empatia, acentuando o significado interior da forma e remetendo para segundo plano aquilo que ela representava. Nascia, assim, o primeiro fundamento da arte abstracta. É abstracta toda a arte sem qualquer referência à realidade observada; uma arte que devemos julgar apenas do ponto de vista da harmonia, da composição, da ordem e de um espaço animado por linhas, formas, cores, luz, materiais e técnicas.
Kandinsky foi o pioneiro da arte abstracta. A partir das experiências realizadas no seio do grupo Der Blauer Reiter, o pintor russo formulou a ideia de que um quadro pode prescindir totalmente da representação. A primeira pintura abstracta é « Primeira Aguarela Abstracta».
O Abstracionismo é seguido ainda por Paul Klee e pela Bauhaus. Klee recorre ao inconsciente para fazr emergir ummundo de fantasia, magia e sonho.
O Suprematismo aparece em 1913 quando Malevitch, o escritor Kruchenik e o compositor Matishin fundam o «Primeiro Congresso de Futuristas de todas as Rússias» e anunciam num manifesto a realização da ópera futurista «Vitória sobre o Sol». Numa linguagem desprovida de qualquer sentido ou lógica – a música é composta por gritos e ruídos – a obra celebra o domínio da técnica sobre a natureza, segundo o ideário futurista.Malevitch desenha o guarda-roupa e os cenários numa linguagem geométrica e abstracta que o levam ao Suprematismo.
Na «Exposição 0,10»em 1915, Malevitch apresenta 39 obras não-objectivas, isto é, totalmente abstractas, constituídas por figuras geométricas monocromáticas dispostas livremente sobre fundos brancos, renunciando a tudo o que pudesse produzir qualquer tipo de sugestão, ideia ou emoção. Entre elas figurava o «Quadrado Negro», um simples quadrado negro sobre uma superfície branca, e que constituía uma reacção iconoclasta contra a maneira tradicional da pintura. Malevitch chega às formas básicas não-objectivas ( o quadrado, o círculo, a cruz) e a redução cromática ( cores primárias, o branco e o preto). O expoente máximo do suprematismo é a obra « Quadrado branco sobre branco».
Por sua vez, Tatlin apresenta em 1913 os seus «Contra-Relevos», objectos em metal e madeira, libertos de qualquer objectividade ou figuração que o levará ao Construtivismo em 1915, onde se defende uma arte de sentido útil e funcional, empenhada no progresso permitido pelas novas tecnologias. Outros nomes do construtivismo são Rodchenko, El Lissitzky.
O neoplastcismo aparece-nos pela mão do holandês Piet Mondrian (1872-1944). Este, depois de se ter aproximado dos fauves e do cubismo, chega à abstracção através de um processo conciso de depuração da forma, decompondo imagens em planos e fragmentos lineares até atingir uma síntese de formas puras e cores primárias. O seu carácter místico e religioso e a sua busca por uma explicação ontológica é traduzido pela adesão à Sociedade teosófica (universalista, esotérica e filosófica). Em 1917 funda com Théo Van Doesburg a revista De Stijl (O Estilo), cujo primeiro manifesto é proclamada a necessidade de uma «nova plástica» que elimine qualquer cópia da natureza, combata o individualismo e anuncie uma harmonia universal, «uma unidade internacional na Vida, na Arte e na Cultura». A partir daqui Mondrian cria o Neoplasticismo, uma linguagem puramente abstracta e racional, regida pela geometria, sem subjectividade nem emotividade preconizando uma sociedade equilibrada e universalista. Poucos anos depois o movimento chaga ao fim, não sem antes ter influenciado a arquitectura e arte por via de nomes como Gerrit Rietveld, Jacobus Oud, e a Bauhaus.
Durante a i Grande Guerra, a Suiça manteve-se neutral, constituindo um refúgio para muita gente. Daí não ser estranhar que para lá confluíssem artistas e escritores. O Cabaret Voltaire, aberto em 1915 pelo poeta alemão Hugo Ball, em Zurique, tornou-se ponto de encontro de emigrados e refugiados e as suas sessões começam a ser muito concorridas. As perfomances de música, declamação, dança, exposições misturam música de Satie, Schonberg, bruitisme ( música de ruídos), poemas tribais, poemas com sílabas sem nexo, interjeições, tudo feito com mais ou menos improvisações, e protagonizados por poetas espontâneos, que criam manifestos contra tudo e todos. Tratava-se no fundo de uma confluência de vanguardas, aquilo que aconteceu em Zurique.
De lá surgiu o dadaísmo em 1916 protagonizado pelo poeta romeno Tristan Tzara (1896-1963), o casal Jean Arp, e Sphie Taeuber. No ano seguinte, o Dada já era internacionalmente conhecido, aceitando todas as experiências que destruíssem os valores e as normas estéticas estabelecidas, questionando até os próprios conceitos de arte, obra e artista. O espírito nihilista exaltava a espontaneidade, a anarquia e o individualismo da criação. Em 1918 Tzara apresenta o Manifesto Dada, quando o movimento já se expande em vários núcleos: Raoul Haussmann, John Heartfield, Geroge Groz em Berlim; Kurt Schwitters e os seus Merzbilders em Hannover; Max Ernst em Colónia; Jean Arp e Man Ray (1887-1968) em Paris; Francis Picabia e Marcel Duchamp em Nova Iorque. São adoptadas técnicas combinatórias ( a colagem, a assemblage, a foto-montagem), reinventadas as relações entre objectos ( o ready-made, objectos retirados do seu contexto e convertidos em obras de arte) e legitimados novos conceitos. O Dadaísmo influenciou posteriormente o Surrealismo, o Informalismo e constitui um antecedente da Arte conceptual.
O fim da I Grande Guerra trouxe não poucas consequências quer a nível político ( ascensão de movimentos políticos, revoluções), económico ( Europa arruinada, ambiente eufórico nos Estados Unidos até aos crasch de 1929), e artístico-cultural ( revitalização de linguagens pictóricas, uma espécie de «regresso à ordem» depois dos excessos do experimentalismo vanguardista).
É neste contexto que surge o Surrealismo fundado por André Breton (1896-1966) que publica o Manifesto do Surrealismo em 1924. Influenciado por Freud, pela poesia de Rimbaud e Baudelaire, a pintura de Chirico e a poética dadaísta, Breton defendia que a criação artística devia resultar da experiência psíquica do inconsciente, emancipando a imaginação dos entraves da razão e de factores de ordem social e cultural: «Surrealismo –puro automatismo psíquico, através do qual podemos expressar verbalmente, por escrito ou qualquer outro meio o processo real do pensamento». Diferenciam-se então duas tendências: a do automatismo psíquico ou livre associação com Joan Miró (1893-1983, Max Ernst (1891-1976), André Masson; e a da via onírica com Salvdor Dali (1904- 1989), René Magritte (1898-1967), Yves Tanguy.
Outra corrente que recuperou a representação figurativa foi o Neo-Realismo que teve na América latina, por influência da revolução mexicana de 1910, o seu momento alto durante os anos 20 e 30 por intermédio de Diego Rivera (1886-1957), José Clemente Orozco e David Siqueiros, os quais assumiram um forte empenhamento político e social. Estes autores recuperaram ainda a tradição dos frescos murais monumentais, marcados pelas tradições aztecas e maias.
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